Использование цвета в драматургии

«Реальный мир цветной, но в черно-белом он выглядит реалистичнее», — замечал один из героев фильма Вима Вендерса «Положение вещей» (1982). Так ли? Ведь черно-белое изображение уже почти стало признаком прошлой эпохи.

Современный зритель легко назовет основные элементы, из которых складывается удачный фильм: интересные диалоги, красивые световые решения, заметная, но ненавязчивая музыка. Цвет — еще одна необходимая составляющая. Он не только делает картинку красивее, но и подсказывает, на какие объекты обратить внимание, задает общий тон в отдельном жанре.

Кадр из фильма «Путешествие на луну» (1902) / Фото: Star Film Company

У цветного кино не такая длинная история. Официальная дата рождения кинематографа — 1895 год, а активное использование цвета (речь именно о массовом применении цветной пленки) началось лишь в 1960-х. При этом даже самые ранние фильмы могут похвастаться яркими красками. Был ли цвет частью драматургии уже тогда? Какое применение в сюжете ему нашли в более поздние годы? Разбираемся по порядку.
 

Первые техники окрашивания: 1895-1920-е

Первые цветные фильмы создавались путем ручного раскрашивания. Уже в 1895 году Томас Эдисон применил его для «Танца Аннабеллы». В 1902 году Жорж Мельес выпустил несколько раскрашенных копий «Путешествия на Луну». В обоих случаях цвет наполнял фильм смыслом. В «Танце» переливы тонов на ткани вместе с движением создавали красивый эффект. В фильмах Мельеса цвет преображал и без того необычный для тех лет фантазийный мир.
 

Танец «Серпантин» Аннабель (1895)

Конечно, тогда это был своего рода аттракцион, призванный удивить зрителя. Но так как цвет добавлялся в уже отснятый материал, можно говорить о художественном выборе. Позднее Эйзенштейн выпускает статью «Не цветное, а цветовое» (1940), призывая к сознательному использованию цвета. Своим принципам он следовал уже в «Броненосце «Потемкине»» (1925), раскрасив белый флаг в ярко-красный цвет — символ революции.
 

Сцена из фильма «Броненосец «Потемкин»» (1925)

Вторая техника окрашивания в немом кино — вирирование и тонирование. Процесс не требовал огромного количества времени и сил, поскольку целый кадр заливался одним цветом. При вирировании окрашивались светлые участки, а при тонировании — темные. Однако эти приемы практически исключали цветовую драматургию, потому что тональность не менялась в зависимости от действия в сцене. В те годы сформировался условный словарь цвета, который использовался в том или ином сюжете:
 

Картины не всегда вирировались или тонировались целиком, цветом могли выделяться только отдельные моменты. Их художественное значение становилось заметнее всего при активном монтаже. В основном же сцены, выдержанные в одном оттенке, обобщались, тогда как при ручном окрашивании отдельные объекты или эпизоды выделялись и могли иметь несколько значений.
 

Официальный приход цвета — 1930-е

Фильмы, которые в истории отмечены как первые цветные — короткометражный «Кукарача» (1934) и полнометражный «Бекки Шарп» (1935). В России за цветное кино отвечал новатор Николай Экк, снявший первый полный метр со звуком и в цвете — «Соловей-соловушко» (1936), а до него — документальный короткометражный «Карнавал цветов» (1935).
 

Сцена из фильма «Бекки Шарп» (1935)

Снятые на двухслойную или трехслойную пленку, эти картины открывали новые возможности кинематографа. И даже неестественность цветов на крупных планах или блеклое изображение на общих не портили впечатления от новых эффектов. Режиссеры искали драматургическое применение цвету, сочетая оттенки гармоничным образом (теплые и холодные). Даже в ограниченной палитре цвет не только привлекал внимание к отдельным элементам, но и влиял на общую композицию кадра.
 

Сцена из фильма «Соловей-соловушко» (1936)
 

Немного цвета — 1940-1950-е

Но даже после этих успехов съемка цветных фильмов не была поставлена на поток. В отличие от двухслойной пленки, которая не создавала на экране никаких заметных эффектов, трехцветная система Technicolor, безусловно, открывала большие возможности в художественном обращении с цветом. Но технология все еще была несовершенной и затратной, а для проката цветных фильмов необходимо было переоборудовать залы.

Несколько заметных экспериментов тех лет — картины «Унесенные ветром» (1939), где интересной с точки зрения драматургии была передача внутреннего состояния Скарлетт через оттенки неба. А также «Волшебник страны Оз» (1939), в котором обычный черно-белый мир сменялся яркими красками сказочной страны.

Кадр из фильма «Волшебник страны Оз» (1939) / Фото: MGM 

В 1940-е Эйзенштейн работает над «Иваном Грозным», делая знаменитую кульминационную сцену второй серии (прокат — 1958) в цвете. Золотой, синий, красный и черный соответствуют основным мотивам картины — борьбе, власти и смерти.
 

Сцена из фильма «Иван Грозный» (1958) 

Не менее яркий пример цветового символизма — короткометражный фильм Альбера Ламориса «Красный шар» (1956). Маленький мальчик путешествует по снятым в приглушенных тонах улочкам Парижа с ярким шариком, переживает разные приключения, встречает друзей, а в финале улетает в небо на связке шаров всевозможных цветов.

Массовое использование цвета — 1960-1970-е

В 1960-х ведущие режиссеры, в прошлое десятилетие занятые поиском новых изобразительных решений в черно-белом кино, наконец, обращаются к цвету. Для фильмов психологического направления цвет становится еще одним способом передать на экране поток мысли.

Например, в фильме Антониони «Красная пустыня» композиция выстроена на четырех цветах — красном, черном, белом и желтом, которые выражают настроения и изменения главной героини. Бергман в «Шепотах и криках» также использует четырехцветную палитру — белый, черный, зеленый и красный. Последний важнее всего: по признанию режиссера, он у него ассоциировался с душой.

В первом цветном фильме Франсуа Трюффо «451 градус по Фаренгейту» (1966) также важен красный — символ пламени, в котором пожарные уничтожают книги.
 

Сцена из фильма «451 градус по Фаренгейту» (1966)

Многие режиссеры снимают фильмы, в которых цвет в сочетании с другими приемами усиливает драматургию: «Великолепие в траве» Элиа Казана (1961), «Леопард» Лукино Висконти (1963), «Безумный Пьеро» Жан-Люка Годара (1965), «Джульетта и духи» Федерико Феллини (1965), «Головокружение» Альфреда Хичкока (1966), «Выпускник» Майка Николса (1967), «Дневная красавица» Луиса Бунюэля (1967), «Космическая Одиссея» Стэнли Кубрика (1968), «Ребенок Розмари» Романа Полански (1968).

Определенные цвета закрепляются за персонажами, декорациями, пейзажами, помогают следить за несколькими линиями сюжета и становятся дополнительным источником информации. В этом можно проследить тенденцию ранних лет, конечно, технически более совершенную.
 

Разные значения цвета — 1980-1990-е

По мере того, как цветное кино стало нормой для зрителя, черно-белое изображение превратилось в художественный прием. На сочетании черно-белого и цвета построены многие фильмы, к примеру, «Сталкер» (1979), «Небо над Берлином» (1987), «Европа» (1991), «Список Шиндлера» (1993), «Плензантвиль» (1998).

Кадр из фильма «Плезантвиль» (1998) / Фото: New Line Cinema

Совершенно разные по смыслу картины наряду с использованием других кинематографических приемов обращаются к цвету как источнику драматургии.

Например, польский режиссер Анджей Жулавский в фильме «На серебряной планете» (1987) подбирает неестественную сине-зеленую гамму и специальным образом обрабатывает отснятый материал, чтобы убрать «земные» цвета и подчеркнуть необычность места.

Кадр из фильма «На серебряной планете» (1987) / Фото: киностудия «Кадр» 

Трилогия другого польского автора Кшиштофа Кесьлевского «Три цвета: Синий, Белый, Красный» (1993-1994) основана на последовательности полос французского флага и интерпретации девиза французской республики: свобода, равенство братство. При этом каждая часть наделяет свой цвет множеством других значений: печаль, обновление, любовь.

В целом в этот период кино становится разнообразным по темам и художественным решениям. А технические возможности в передаче оттенков расширяют границы значений одного цвета.
 

Цвет в современном кино

Сейчас в одном фильме может применяться весь арсенал накопленных приемов. И цвет, конечно, в их числе. Использовать ли его в качестве основного средства или в качестве дополнительного, авторы решают в зависимости от личных предпочтений и от особенностей конкретного проекта.

При работе с цветным изображением учитывают несколько факторов:
 

• гармоничное сочетание (противоположные цвета на круге);
• контраст ;
• насыщенность;
• условия освещения;
• взаимодействие с формами и пространством.

Важно, что значения цветов меняются в зависимости от контекста. Возьмем, к примеру, желтый. В «Королевстве полной луны» (2012) он ассоциируется с радостью и наивностью. Желтые оттенки в «Убийстве священного оленя» (2017) — символ болезни. Окрашенная в желтые тона сцена ссоры отца и дочери в «Бердмене» (2014) подчеркивает одиночество персонажей. В «Стране приливов» (2005) желтые колосья на контрасте с ярко-голубым небом превращают мир в сказочные грезы. А в «Марсианине» (2015) желтый переносит нас на другую планету.

Менее заметный по цвету пример — кадр из «Света в океане». Здесь мягкие оттенки желтого — это цвета дома, уюта, заботы. При этом можно заметить небольшие синие детали, которые уравновешивают композицию.

Нельзя забывать и про субъективное отношение. Цвет оказывает на нас сильное влияние, но восприятие все равно остается больше подсознательным, чем аналитическим.
 

Подведем итоги

Использование цвета как художественного приема помогает:
 

• поставить акценты на деталях/персонажах;
• разделить линии в многоуровневом сюжете;
• выразить развитие конфликта;
• определить время;
• создать настроение.

Возможности передачи на экране любых изменений в оттенках увеличивают количество интерпретаций, но в основе своей функции цвета остаются такими же, как и в раннем кино — выделение главного и передача атмосферы времени, места, смысла сюжета.
 

Обложка: кадр из фильма «Красный шар» (1956) / Lopert Pictures